1961年，在当时的文化事务部长安德烈-马尔罗（André Malraux）的倡议下，法国邮政推出了“艺术系列”邮票。当代艺术的四位大师：布拉克、马蒂斯、塞尚和拉弗雷奈，被选为这个想象中的博物馆（Musée imaginaire）的第一期。多年来，所有的艺术领域都将被涵盖，从洞穴艺术到当代艺术，所有公认的表达方式，如绘画、彩色玻璃、雕塑、挂毯、壁画和摄影。
1961年发行4枚邮票，主题是现代画家的作品
塞尚曾调侃说“要画得不像是画家画的一样”定义了现代画家的原创努力，他们首先关注的是如何找到自己的个人风格。但是这种对风格的追求并没有使他们与前辈们保持距离，而是迫使他们与前辈们进行斗争和竞争，用当代评论家的话来说，“艺术史是发明形式与继承形式的历史”，而传统与创造是相互关联、不可分割的。
1319，乔治·布拉克的蚀刻版画作品《信使》，美国底特律艺术博物馆收藏。
乔治·布拉克（Georges Braque，1882~1963）是法国画家、雕塑家和雕刻家，他与毕加索早期作品属印象派和野兽派，与毕加索合作共同发起立体主义运动，晚年作品包括静物画和风景画，风格渐趋现实主义。
乔治·布拉克被认为是立体主义最合适的代表，然而在他自己看来：“立体主义，或我的立体主义，是我为自己创造的一种手段，其目的首先是将绘画纳入我的天赋范围，除此之外我对立体主义兴趣不大，我最喜欢的是绘画”。
布拉克自1930年代以来一直对鸟的图案很感兴趣，1952年他在卢浮宫画了一个天花板专门描绘这只鸟，他以自己的方式描绘主题，灵感来自大自然，但不是很具象化，鸟儿似乎在飞翔，仿佛被艺术家启动。布拉克想代表空间，他也想摆脱现实，即使他受到了现实的启发。因为对于乔治·布拉克来说：“写作不是描述，绘画不是描绘，真实性只是视错”。1955年对卡马尔克动植物保护区的访问深深地打动了他，他对不同种类的鸟特别感兴趣，从此鸟就完全融入他的艺术世界。在他生命的最后阶段，布拉克的作品中出现了色彩鲜艳且高度风格化的鸟，最初的鸟只是1949年至1956年期间创作的“工作室”系列绘画中的简单草图，八幅几乎没有具象性的画布，以黑色为主题，汇集了艺术家的所有回忆。最终鸟开始主宰这位年迈画家的作品，布拉克将一直忠于它直到他去世。它们象征着和平与宁静，也象征着梦想和逃离，它们似乎在飞翔，仿佛是在运动，我们在《信使》中可以看到这种运动。
与梅西安和圣约翰·佩尔斯（Saint-John Perse）的作品不同，布拉克的鸟在自然界中没有真正的模特，画家的灵感当然来自大自然和真实的鸟，但在艺术世界里，鸟成为他想象中的原型生物。布拉克的赞助人让·波扬说：“绘画从来都离不开模仿，模仿是它的自然手段之一，也是它的危险之一，它不断受到模仿的威胁（就像小说受到现实的威胁），而且人们随时都担心模仿会吞噬它。但布拉克和毕加索已经度过了危险，他们可以摆脱所有的个性，直到物体本身，而不是它们的形象在画布上占据了位置”。而这只鸟确实在那里占据了它的位置，即使布拉克的鸟不是写实的，它们也唤起了人们对现实的关注，对这种“羽毛和征服的存在”同样多的理解。布拉克的鸟达到了无与伦比的简单和纯粹，正如圣约翰·佩尔斯所说，它是 "布拉克简洁的鸟"，对布拉克来说，纯洁和简单是鸟的本质。
博物馆原作信息：oiseau-blanc-dans-les-feuillages - dia.org
1320，亨利·马蒂斯在白纸上的水粉纸拼贴画作品《蓝色裸体》（1952），巴黎蓬皮杜国家艺术文化中心收藏。
亨利·马蒂斯（Henri Matisse，1869-1954）是法国画家、设计师和雕塑家，是野兽派无可争议的领袖，他的朋友巴勃罗·毕加索 (Pablo Picasso) 认为马蒂斯是他最大的竞争对手。
1941年马蒂斯因手术后身体状况受到限制，无法再创作架上绘画，他开始通过剪纸来进行艺术创作，并监督石版画的创作，直到1954年去世。1952-1954年之间，马蒂斯结合了传统和实验的方法，创作出这极富原创性的4幅蓝色裸体系列作品，这些作品代表了马蒂斯迈向抽象之旅的一个决定性阶段，从中仍可看出人体外形的表现。马蒂斯眼中的蓝色代表距离和体积感，他想要让主色和对比色成功搭配，沮丧的结果让他转而使用厚重的大块单色，就像他生涯早期那样，那些技法后来成为知名的野兽派。构成蓝色裸体的水粉图案，其灵感来自马蒂斯收藏的非洲雕刻，以及他在1930年的塔希提岛之旅。20年之后，又经历了一次手术之后无法工作的恢复期，他终于将这些影响融合到这个充满创意的系列作品。画家发现安排绘制好的水粉图样远比直接用颜料在画布上作画来得容易。他称这个过程为“在纸中作画”，人物的外形就在这些图样之间的空白中形成，其结果是令人欣慰的，只不过是二维形式。
四个裸体中的第一个是《蓝色裸体IV》，花了两个星期的剪裁和排列工作，最终的艺术品才让马蒂斯满意。在这一过程中，马蒂斯终于找到了他最喜欢的姿势，所有四幅作品都是双腿交错，手臂伸到脖子后面的姿势。这个裸体女人的姿势就像1920年代初期制作的一些坐着的裸体姿势，最终，这个姿势来源于《生活的乐趣》中躺着的人物。尽管是纸质的平面，但这些剪纸作品反映了马蒂斯早期雕塑的有形、浮雕般的质量，尤其是剪纸重叠所产生的体积感，尤其是《蓝色裸体I》，可以与1909年的《蛇形》等雕塑作品相比较。
马蒂斯一直在寻找“色”与“形”的完美混合，蓝色裸体系列作品就是顶点，也是他此类活动的终点，然而它们的原创性为马蒂斯的后来者开启了新方向。20世纪60年代的法国艺术家比如克洛德·维亚拉（Claude Viallat），美国的抽象表现主义画家比如马克·罗斯科（Mark Rothko），他们的作品都建构于马蒂斯的基础之上，而且为自己赢得了巨大声誉和认同。
博物馆原作信息：Nu bleu II - centrepompidou.fr ，Nu bleu III - centrepompidou.fr
*这枚邮票获得1962 年 CNEP 秋季沙龙集邮艺术大奖
1321，保罗·塞尚作品《玩纸牌者》，巴黎奥赛美术馆收藏。
保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839-1906）是法国后印象派画家，被认为是立体主义的先驱，现代绘画归功于塞尚。他对物体体积感的追求和表现为立体派开启了不少思路，其独特的主观色彩大大区别于强调客观色彩感觉的大部分画家。
塞尚的理想并不是想创新而是想回到古典时代向普桑致敬，用绘画来重建秩序，所以他在绘画中吸收了印象主义的主观感受，同时又另辟蹊径，把主观感受通过严谨的构图，透过物体的结构来表达一种永恒的生命力，因此塞尚的作品十分厚重具有雕塑感，以呈现事物的真实。这种对生活的冷静观察，包括画家对绘画对象的旁观者心态，反而让他的作品散发出一种安静、内敛的力量。塞尚的作品多使用冷色调，即使是画景物也多是蓝灰色或者蓝绿色调，有着强烈的个人主义风格，这与当时偏温暖、甜蜜的中产阶级审美趣味很不吻合，所以塞尚的作品在当时并不受欢迎，多次在展出中受到嘲笑甚至被观众奚落。
其实，塞尚已经抓住了他的艺术主题，只是他的基本形象还未放弃“自然的不规则性”。塞尚所创造的平面形象，已经取得了立体感，1890~1892年完成的《玩纸牌者》是最好的证明，是塞尚诠释其主题态度的最佳范例。这个主题在以往通常被理解为一个社交、散心和单纯休闲的场面；或是被诠释为赌博中的贪婪、欺骗与焦虑的情景；或者被解释为对抗的戏剧性场景。在塞尚的五幅该主题的作品中，我们看不到纸牌游戏中的任何一个熟悉方面，他选择这一主题是为了再现一个纯粹沉思的片刻——所有的玩牌者都聚精会神于手里的牌面，不流露任何表情。
这幅作品通过千变万化色调造成了形象刻画的立体感，形象刻画的有力和性格特征表现、情节动作的准确、整个构图全都表明，色彩的强度非但不妨碍形成整体的统一，反而还强调了它。如果用连贯的轮廓线，就很可能导致人物形象的孤立，而在这幅画里塞尚不用这样的轮廓线，画中的人物正像这幅画上的桌子和背景那样，都仅仅是由一片片色彩组成的，因此他们结成了一个组体。塞尚在这里以“变调”代替了“造型”，即以各个色区的有节奏的变换代替了形象的塑造，色块的结合主要不是取决于画面总的结构，而是取决于各个场景的相互关系，正如塞尚自己所说：“当色彩丰富时，形状也就丰满了”。
博物馆原作信息：Les Joueurs de cartes - musee-orsay.fr
wiki信息：Les_Joueurs_de_cartes - Musee Orsay
1322，罗歇·德·拉弗雷奈的作品《七月十四日》（1914），美国休斯顿美术馆收藏。
罗歇·德·拉弗雷奈（Roger de La Fresnaye，1885-1925）是一位法国立体主义画家，黄金分割派成员，涉足多种前卫艺术，抒情色彩与简约几何相结合的立体派风格。
《7月14日》创作于1914年，是拉弗雷奈对立体主义特殊实验的一个典型范例，并且可以被视为艺术家职业生涯中一个重要过渡时刻的证据。评论家们认为这些作品在前卫绘画史上有首要位置，因为它们揭示了对色度的创新工作，采用了罗贝尔·德洛奈（Robert Delaunay）所珍视的色彩同时性原则。1913年他开始接受罗贝尔·德洛奈的抽象和以色彩为导向的立体主义，拉弗雷奈对色彩的敏感性明显体现在《7月14日》的构图中，其结构围绕一系列原色、黑色或白色的几何形状构建而成。
拉弗雷奈在他的道路上是一个先驱，对他来说立体主义更像一个方法而不是一种学说，一旦他从毕加索和布拉克发展的立体主义中吸收了他想要的东西，就开始着手使它变得优雅、装饰和开朗。拉弗雷奈和德洛奈一样，是最早探索立体主义作为准抽象装饰可能性的人之一，他在1913-14年期间的画作是立体主义风格的第一个全盛时期之一。尽管拉弗雷奈在他的画作中融入了立体主义技术，但他保留了自然主义风格，从不采取激进的形式分析。
